Renata Lima Landero (@renolima), economista y artista plástica originaria de Puebla, México y nacionalizada alemana, vive actualmente en Ingolstadt. Desde niña la pintura ha formado parte de su vida, transformándose en profesión y en un legado que comparte con su familia.
Renata ha vivido en México, España y Alemania, y sus obras han cruzado fronteras llegando incluso a Inglaterra. Cada pieza es un acto íntimo de expresión, creado desde un pequeño rincón en su hogar, con la intención de transmitir sentimientos que conecten con el espectador.
"Mis obras son un reflejo de lo que siento, de lo que extraño, de lo que me inspira.
Uso colores y formas para representar emociones profundas, memorias, raíces y aunque en mis obras no todo son temas originarios de México y su cultura, para esta exposición "Fiesta de Colores" me he inspirado específicamente en temas de nuestras raíces, aprovechando este tiempo de tradiciones sobre nuestro Día de Muertos y nuestra cultura en general.
!Mi arte es un puente entre lo que soy y lo que quiero compartir. Y esa conexión es solo lo que busco!"
Renata Lima Landero (@renolima), Wirtschaftswissenschaftlerin und bildende Künstlerin aus Puebla, Mexiko, mit deutscher Staatsangehörigkeit, lebt derzeit in Ingolstadt. Seit ihrer Kindheit ist die Malerei ein fester Bestandteil ihres Lebens, der sich zu einem Beruf und zu einem Vermächtnis entwickelt hat, das sie mit ihrer Familie teilt.
Renata hat in Mexiko, Spanien und Deutschland gelebt, und ihre Werke haben bereits Grenzen überschritten und sind sogar bis nach England gelangt. Jedes ihrer Werke ist ein intimer Ausdruck, entstanden in einer kleinen Ecke ihres Zuhauses, mit dem Ziel, Gefühle zu vermitteln, die den Betrachter berühren.
"Meine Werke spiegeln wider, was ich fühle, was ich vermisse, was mich inspiriert. Ich verwende Farben und Formen, um tiefe Emotionen, Erinnerungen und Wurzeln darzustellen, und obwohl nicht alle meine Arbeiten Themen aus Mexiko und seiner Kultur behandeln, habe ich mich für diese Ausstellung speziell von Themen unserer Wurzeln inspirieren lassen, indem ich diese Zeit der Traditionen rund um “den Tag der Toten” und unsere Kultur im Allgemeinen nutzte.
Meine Kunst ist eine Brücke zwischen dem, was ich bin, und dem, was ich weitergeben möchte. Und diese Verbindung ist genau das, wonach ich suche!"
La Muñeca Lele, artesanía mexicana
(Febrero, 2021)
Lienzo con Acrílico, 30 x 25 x 1,5 cm
Cuyo nombre completo es "muñeca artesanal de Amealco", es un símbolo cultural de México, del estado de Querétaro. Su nombre "Lele" proviene del otomí, una lengua indígena, y significa "bebé", representa la identidad de las comunidades otomí y mazahua, con su vestimenta tradicional (trenzas con listones de colores, faldas bordadas y blusas de encaje), está hecha totalmente a mano, también ha sido reconocida por la UNESCO y por el gobierno de México como Patrimonio Cultural de la Humanidad, lo que la convierte en un símbolo de la mujer indígena trabajadora. Es un ícono cultural que ha viajado por el mundo, promoviendo la riqueza artesanal y la diversidad cultural de México.
Die Lele-Puppe, mexikanisches Kunsthandwerk
(Februar, 2021)
Acryl auf Leinwand, 30 x 25 x 1,5 cm
Deren vollständiger Name "handgefertigte Puppe aus Amealco" lautet, ist ein kulturelles Symbol Mexikos, genauer gesagt des Bundesstaates Querétaro. Ihr Name "Lele" stammt aus der indigenen Sprache Otomí und bedeutet "Baby". Mit ihrer traditionellen Kleidung (Zöpfe mit bunten Bändern, bestickten Röcke und Spitzenblusen) repräsentiert sie die Identität der Otomí- und Mazahua-Gemeinschaften. Da sie vollständig von Hand gefertigt wird, wurde sie sowohl von der UNESCO als auch von der mexikanischen Regierung als Weltkulturerbe anerkannt, was sie zu einem Symbol der fleißigen indigenen Frau macht. Die Lele-Puppe ist eine kulturelle Ikone, die um die ganze Welt gereist ist, um das reiche Kunsthandwerk und die kulturelle Vielfalt Mexikos zu fördern.
Nuestra Virgen de Guadalupe
(Diciembre, 2024)
Lienzo con Acrílico, 40 x 40 x 1,5 cm
Nuestra Virgen de Guadalupe es un símbolo central y profundamente arraigado en la cultura mexicana y en la fe católica. Su figura no solo representa la devoción religiosa, sino también la identidad nacional de México. La historia de la Virgen de Guadalupe se remonta a diciembre de 1531, cuando, según la tradición, se le apareció en cuatro ocasiones a un indígena recién convertido llamado Juan Diego Cuauhtlatoatzin en el cerro del Tepeyac, al norte de la Ciudad de México. La Virgen le pidió que construyera un templo en su honor. Como prueba de la aparición, la Virgen hizo que Juan Diego llevara rosas de Castilla, que no crecían en esa temporada, en su tilma (manto). Al desplegar la tilma ante el obispo, la imagen de la Virgen de Guadalupe quedó milagrosamente impresa en ella. La Virgen de Guadalupe es un ejemplo perfecto del sincretismo entre las creencias católicas y las tradiciones indígenas prehispánicas. Su imagen, de tez morena y rasgos mestizos, fue un factor clave para la evangelización de los pueblos originarios. Es considerada la Madre de México y un estandarte de la lucha por la independencia. Su imagen fue utilizada como bandera por el cura Miguel Hidalgo y Costilla, el Padre de la Patria, durante el inicio de la Guerra de Independencia. Para millones de mexicanos, es un símbolo de fe, esperanza y protección. Cada 12 de diciembre, su día festivo, millones de peregrinos de todas partes del país y del mundo visitan la Basílica de Guadalupe para rendirle homenaje.
Unsere Jungfrau von Guadalupe
(Dezember, 2024)
Acryl auf Leinwand, 40 x 40 x 1,5 cm
Unsere Jungfrau von Guadalupe ist ein zentrales und tief verwurzeltes Symbol in der mexikanischen Kultur und im katholischen Glauben. Ihre Figur repräsentiert nicht nur die religiöse Hingabe, sondern auch die nationale Identität Mexikos. Die Geschichte der Jungfrau von Guadalupe geht auf den Dezember 1531 zurück, als sie der Überlieferung nach einem kürzlich zum Katholizismus konvertierten Indigenen namens Juan Diego Cuauhtlatoatzin viermal auf dem Berg Tepeyac, nördlich von Mexiko-Stadt, erschien. Die Jungfrau bat ihn, zu ihren Ehren eine Kirche zu bauen. Als Beweis für die Erscheinung ließ die Jungfrau Juan Diego Rosen von Kastilien, die zu dieser Jahreszeit nicht wuchsen, in seinem Umhang (Tilma) mitnehmen. Als er den Umhang vor dem Bischof entfaltete, war das Bild der Jungfrau von Guadalupe auf wundersame Weise darauf eingeprägt. Die Jungfrau von Guadalupe ist ein perfektes Beispiel für den Synkretismus zwischen katholischen Glaubensvorstellungen und vorhispanischen indigenen Traditionen. Ihr Bild, mit dunklem Teint und mestizischen Zügen, war ein Schlüsselfaktor bei der Evangelisierung der indigenen Völker. Sie gilt als die Mutter Mexikos und ein Banner des Kampfes für die Unabhängigkeit. Ihr Bild wurde vom Priester Miguel Hidalgo y Costilla, dem Vater des Vaterlandes, zu Beginn des Unabhängigkeitskrieges als Flagge verwendet. Für Millionen von Mexikanern ist sie ein Symbol des Glaubens, der Hoffnung und des Schutzes. Jedes Jahr am 12. Dezember, ihrem Feiertag, besuchen Millionen von Pilgern aus dem ganzen Land und der Welt die Basilika von Guadalupe, um ihr zu huldigen.
Frida Kahlo: frente a ti
(Marzo, 2025)
Lienzo con Acrílico, 70 x 50 x 1,5 cm
No solo es un cuadro, sino una confesión. Frida Kahlo, artista plástica mexicana (1907-1954), pintaba su alma, sus dolores y sus amores. Frida sufrió durante su vida muchos padecimientos de salud físicos y emocionales, por eso, cada pincelada de sus obras son cicatrices, o un grito de dolor o un susurro de esperanza. Ella nos invita a mirar dentro de su mundo interior, un universo de símbolos, colores vibrantes y una verdad cruda que desarma. Ella nos enseñó que la vulnerabilidad es la más grande de las fortalezas. A través de su arte, transformó su sufrimiento físico y emocional en una declaración de vida y aún en los momentos más rotos, demostró que la vida es una hermosa obra de arte. Su legado no es pictórico, es una lección de vida. Pintó su propia imagen, expresando su mundo interior. Es una mezcla de realismo con influencias de surrealismo pintando su propia realidad. ¡Amaba la Vida! Una de las artistas latinoamericanas más influyentes del siglo XX, considerada como ícono del feminismo y amaba las raíces y la cultura indígena. Ella decía: “Me pinto a mi misma porque soy a quien mejor conozco”. entre muchas frases más.
Frida Kahlo: vor dir
(März, 2025)
Acryl auf Leinwand, 70 x 50 x 1,5 cm
Vor Ihnen liegt nicht nur ein Gemälde, sondern ein Geständnis. Frida Kahlo, mexikanischer bildender Künstler (1907-1954), malte ihre Seele, ihre Schmerzen und ihre Lieben. Frida litt ihr Leben lang unter zahlreichen körperlichen und seelischen Beschwerden, deswegen ist jeder Pinselstrich in ihren Werken eine abgeheilte Narbe, ein Schrei des Schmerzes oder ein Flüstern der Hoffnung. Sie lädt uns ein, in ihre innere Welt zu blicken, ein Universum aus Symbolen, leuchtenden Farben und einer rohen, entwaffnenden Wahrheit. Sie lehrte uns, dass Verletzlichkeit die größte Stärke ist. Durch ihre Kunst verwandelte sie ihr körperliches und emotionales Leid in ein Statement des Lebens und zeigte selbst in den zerbrechlichsten Momenten, dass das Leben ein wunderschönes Kunstwerk ist. Ihr Vermächtnis ist nicht nur malerisch, sondern eine Lektion fürs Leben. Sie malte ihr eigenes Bild und drückte damit ihre innere Welt aus. Es ist eine Mischung aus Realismus und surrealistischen Einflüssen, in der sie ihre eigene Realität darstellen. Sie liebte das Leben! Sie gilt als eine der einflussreichsten lateinamerikanischen Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts, als Ikone des Feminismus und liebte ihre indigenen Wurzeln und Kultur. Sie sagte: „Ich male mich selbst, weil ich mich am besten kenne.“ unter vielen anderen Sätzen.
Un Sorbo de Tequila
(Abril, 2025)
Lienzo con Acrílico, 30 x 25 x 1,5 cm
El Tequila no es solo una bebida, es el alma líquida de México. Nacido del corazón azul del agave, es el espíritu de una tierra volcánica, bañada por el sol y llena de tradición. Más que un destilado, es un viaje en cada sorbo.
Imagina un atardecer en los campos de Jalisco: los "jimadores" trabajando la tierra para desenterrar las piñas de agave, los hornos de piedra cocinando los azúcares y el aroma a tierra y fuego llenando el aire. El tequila captura esa historia, ese proceso ancestral y el espíritu festivo de un pueblo que celebra la vida. Cada botella guarda siglos de historia, de leyendas y de pasión. Desde el blanco puro y vibrante, ideal para margaritas, hasta el reposado y añejo con sus notas de madera, vainilla y caramelo que invitan a ser degustados lentamente. El tequila es un trago de orgullo, un brindis que conecta a la gente y un ícono que ha conquistado el mundo.
Ein Schluck Tequila
(April, 2025)
Acryl auf Leinwand, 30 x 25 x 1,5 cm
Der Tequila ist nicht nur ein Getränk, es ist die flüssige Seele Mexikos. Geboren aus dem blauen Herzen der Agave, ist es der Geist eines vulkanischen Landes, von der Sonne geküsst und voller Tradition. Mehr als nur eine Spirituose, ist Tequila eine Reise in jeden Schluck. Stellen Sie sich einen Sonnenuntergang in den Feldern von Jalisco vor: die "Jimadores", die Erde bearbeiten, um die Agaven-Piñas zu ernten, die Steinöfen, die die Zucker backen, und der Duft von Erde und Feuer, der die Luft erfüllt. Tequila fängt diese Geschichte, diesen alten Prozess und den festlichen Geist eines Volkes ein, das das Leben feiert.Jede Flasche birgt Jahrhunderte von Geschichte, Legenden und Leidenschaft. Vom reinen und lebendigen Blanco, ideal für Margaritas, bis zum Reposado und Añejo mit ihren Noten von Holz, Vanille und Karamell, die zum langsamen Genießen einladen. Tequila ist ein Schluck Stolz, ein Toast, der Menschen verbindet, und eine Ikone, die die Welt erobert hat.
La fría mirada de la Catrina
(Mayo, 2025)
Lienzo con Acrílico, 60 x 50 x 1,5 cm
La Catrina es mucho más que un esqueleto elegantemente vestido; es un ícono cultural de México que personifica la visión única del pueblo mexicano sobre la muerte. Su origen se remonta a principios del siglo XX, cuando el grabador y caricaturista José Guadalupe Posada la creó como una crítica social.
Originalmente llamada "La Calavera Garbancera", el esqueleto de Posada era una sátira mordaz. La palabra "garbancera" se refería a las personas que, a pesar de tener raíces indígenas o mestizas, renegaban de ellas para adoptar costumbres y modas europeas. Posada la dibujó con un gran sombrero francés, pero sin ropa, simbolizando la vanidad de aparentar una riqueza o un estatus social que en realidad no se tenía. Con esto, el artista quería recordar que, al final, la muerte nos iguala a todos, ricos o pobres, vestidos de lujo o con harapos. Décadas más tarde, el muralista Diego Rivera (esposo de Frida Kahlo) la inmortalizó en su famosa obra "Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central" (1947) en la Ciudad de México, donde le dio el nombre de "La Catrina" (el término "catrín" se usaba para referirse a un hombre elegante y bien vestido). Rivera la pintó al centro de su mural, vestida con un atuendo lujoso y de la mano de Posada. A partir de ese momento, la Catrina se convirtió en el símbolo que conocemos hoy: una figura sofisticada que representa la elegancia de la muerte y su omnipresencia en la vida mexicana, especialmente durante el Día de Muertos.
Der kalte Blick der Catrina
(Mai, 2025)
Acryl auf Leinwand, 60 x 50 x 1,5 cm
Die Catrina ist weit mehr als ein elegant gekleidetes Skelett; sie ist eine kulturelle Ikone Mexikos, die die einzigartige Vision des mexikanischen Volkes vom Tod verkörpert. Ihr Ursprung reicht bis in das frühe 20. Jahrhundert zurück, als der Graveur und Karikaturist José Guadalupe Posada sie als sozial Kritik schuf.
Ursprünglich "La Calavera Garbancera" genannt, war Posadas Skelett eine bissige Satire. Das Wort "garbancera" bezog sich auf Menschen, die, obwohl sie indigene oder Mestizen-Wurzeln hatten, diese verleugneten, um europäische Sitten und Moden anzunehmen. Posada zeichnete sie mit einem großen französischen Hut, aber ohne Kleidung, was die Eitelkeit symbolisierte, einen Reichtum oder sozialen Status vorzutäuschen, den man in Wirklichkeit nicht besaß. Damit wollte der Künstler daran erinnern, dass uns der Tod letztendlich alle gleich macht, ob reich oder arm, luxuriös gekleidet oder in Lumpen. Jahrzehnte später verewigte der Wandmaler Diego Rivera (Frida Kahlos Ehemann) sie in seinem berühmten Werk "Sonntagabend Traum in der Alameda" (1947) in Mexiko Stadt, wo er ihr den Namen "La Catrina" gab (der Begriff "catrín" wurde verwendet, um sich auf einen eleganten, gut gekleideten Mann zu beziehen). Rivera malte sie in die Mitte seines Wandgemäldes, in luxuriöser Kleidung und an Posadas Hand. Von diesem Moment an wurde die Catrina zum Symbol, das wir heute kennen: eine anspruchsvolle Figur, die die Eleganz des Todes und seine Allgegenwart im mexikanischen Leben repräsentiert, besonders während des Tages der Toten.
Blue Demon, un luchador en Bayern
(Mayo, 2025)
Lienzo con Acrílico, 30 x 25 x 1,5 cm
Blue Demon, cuyo nombre real era Alejandro Muñoz Moreno, no fue solo un luchador (Lucha Libre Mexicana), fue una leyenda de la cultura popular. Nacido en 1922 en García, Nuevo León, su camino al estrellato fue un viaje épico de humildad, perseverancia y mística.
Originalmente un trabajador ferroviario, se entrenó en la lucha libre con gran disciplina y debutó en 1948. Rápidamente se hizo de un nombre y su icónico personaje, con la máscara azul con un solo cuerno negro, se convirtió en un símbolo de valentía y honor. A diferencia de su gran rival, El Santo, cuyo personaje era más de corte religioso, Blue Demon encarnaba al héroe silencioso, más rudo y con un enfoque más directo en el ring. Su rivalidad con El Santo, especialmente en la década de los 60, es considerada una de las más grandes y legendarias en la historia de la lucha libre mexicana.
Más allá del cuadrilátero, Blue Demon se convirtió en una estrella de cine, protagonizando más de 25 películas en las que, al igual que El Santo, luchaba contra monstruos, villanos y amenazas sobrenaturales. Su legado no se limita al deporte o al cine; es un ícono de la justicia, el valor y la identidad mexicana. Su máscara azul sigue siendo un símbolo de un tipo de heroísmo clásico, forjado en el esfuerzo y el respeto.
Blue Demon, ein Kämpfer in Bayern
(Mai, 2025)
Acryl auf Leinwand, 30 x 25 x 1,5 cm
Blue Demon mit bürgerlichem Namen Alejandro Muñoz Moreno war nicht nur ein Wrestler (mexikanische Lucha Libre), sondern eine Legende der Populärkultur. Geboren 1922 in García, Nuevo León, war sein Weg zum Ruhm eine epische Reise der Bescheidenheit, Ausdauer und Mystik.
Ursprünglich ein Eisenbahnarbeiter, trainierte er mit großer Disziplin und debütierte 1948 im Wrestling. Er machte sich schnell einen Namen, und seine ikonische Figur mit der blauen Maske und dem einzigen schwarzen Horn wurde zum Symbol für Mut und Ehre. Im Gegensatz zu seinem großen Rivalen, El Santo, dessen Charakter religiöser war, verkörperte Blue Demon den stillen, härteren Helden mit einem direkteren Ansatz im Ring. Seine Rivalität mit El Santo, insbesondere in den 60er Jahren, gilt als eine der größten und legendärsten in der Geschichte des mexikanischen Wrestlings.
Über den Ring hinaus wurde Blue Demon zum Filmstar und spielte in über 25 Filmen mit, in denen er, ähnlich wie El Santo, gegen Monster, Schurken und übernatürliche Bedrohungen kämpfte. Sein Vermächtnis beschränkt sich nicht auf Sport oder Film; er ist eine Ikone der Gerechtigkeit, des Mutes und der mexikanischen Identität. Seine blaue Maske bleibt ein Symbol für eine Art des klassischen Heldentums, das durch Anstrengung und Respekt geformt wurde.
La Muerte Feliz
(Mayo, 2025)
Lienzo con Acrílico, 70 x 50 x 1,5 cm
¿Por qué La Muerte Feliz? La celebración del Día de Muertos en México no es una festividad lúgubre, sino una fiesta vibrante que honra la vida y el recuerdo. La relación de los mexicanos con la muerte es única, y se remonta a las antiguas culturas prehispánicas, como la azteca y la maya. Para ellos, la muerte no era el final de la existencia, sino la transición a un nuevo plano. El mundo de los vivos y el de los muertos están interconectados, tradiciones católicas que llegaron con la Conquista y es la combinación de elementos ancestrales con la fe cristiana, creando un sincretismo cultural único. La Catrina se convirtió en el símbolo de esta festividad. Nos recuerda que la muerte es elegante, democrática y nos iguala a todos sin distinción. Los Altares de Muertos son el corazón de la celebración y se construyen para guiar y dar la bienvenida a las almas de los difuntos que, según la creencia, regresan a visitar a sus familias. El altar se adorna con ofrendas:
Cempasúchil: La flor de cempasúchil, con su color naranja vibrante y su aroma, se usa para trazar un camino que las almas puedan seguir.
Comida y Bebida: Se colocan platillos y bebidas favoritas del difunto, como mole, pan de muerto, tequila o atole, para que puedan disfrutar de un festín.
Objetos Personales: Fotografías y objetos que pertenecieron a los seres queridos se ponen en el altar para recordarlos.
Velas: Iluminan el camino de las almas y simbolizan la luz que los guía de vuelta.
Y por último La Fiesta: El Día de Muertos es un momento para el reencuentro. Las familias se reúnen en los panteones, limpian y decoran las tumbas, comparten anécdotas y música. La tristeza por la ausencia se transforma en alegría por la memoria compartida. Se celebra la vida a través del recuerdo de quienes ya no están, manteniendo viva su esencia y su legado.
Der glückliche Tod
(Mai, 2025)
Acryl auf Leinwand, 70 x 50 x 1,5 cm
Warum Der glückliche Tod? Die Feierlichkeiten zum Día de Muertos (Tag der Toten) in Mexiko sind kein düsteres Ereignis, sondern ein lebhaftes Fest, das Leben und Erinnerung feiert. Die Beziehung der Mexikaner zum Tod ist einzigartig und reicht bis zu den alten präkolumbianischen Kulturen der Azteken und Mayas zurück. Für sie war der Tod nicht das Ende der Existenz, sondern der Übergang in eine neue Daseinsebene. Die Welt der Lebenden und die der Toten sind miteinander verbunden. Diese Vorstellung, vermischt mit den katholischen Traditionen, die mit der spanischen Eroberung Einzug hielten, schuf einen einzigartigen kulturellen Synkretismus. Die Catrina ist zum Symbol dieses Festes geworden und erinnert uns daran, dass der Tod elegant und demokratisch ist, da er uns alle ohne Unterschied gleich macht. Altares de Muertos (Totenaltäre): Sie sind das Herzstück der Feier und werden errichtet, um die Seelen der Verstorbenen zu führen und willkommen zu heißen, die der Überzeugung nach zurückkehren, um ihre Familien zu besuchen. Der Altar wird mit Opfergaben geschmückt:
Cempasúchil: Die Ringelblume wird mit ihrer leuchtend orangefarbenen Farbe und ihrem Duft verwendet, um einen Weg zu markieren, dem die Seelen folgen können.
Essen und Trinken: Lieblingsspeisen und getränke der Verstorbenen wie Mole, Pan de Muerto, Tequila oder Atole werden auf den Altar gestellt, damit sie sich an einem Festmahl erfreuen können.
Persönliche Gegenstände: Fotos und Gegenstände, die den geliebten Menschen gehörten, werden auf den Altar gelegt, um sie an sie zu erinnern.
Kerzen: Sie beleuchten den Weg der Seelen und symbolisieren das Licht, das sie zurückführt.
Das Fest: Der Día de Muertos ist eine Zeit des Wiedersehens. Familien versammeln sich auf den Friedhöfen, reinigen und schmücken die Gräber, erzählen sich Anekdoten und hören Musik. Die Trauer über die Abwesenheit verwandelt sich in Freude über die gemeinsame Erinnerung. Man feiert das Leben durch die Erinnerung an jene, die nicht mehr da sind, und hält so ihre Essenz und ihr Vermächtnis lebendig.
Domitsu, Bordado Otomí
(Junio, 2025)
Lienzo con Acrílico, 50 x 70 x 1,5 cm
Domitsu: Bordado Otomí, conocido como "Tenango" por la comunidad de Tenango de Doria, Hidalgo, es mucho más que una técnica artesanal; es una forma de arte que cuenta historias de la vida, la naturaleza y las tradiciones de una comunidad indígena.
Este bordado se caracteriza por sus diseños intrincados y coloridos, que a menudo representan la flora y fauna local: aves, conejos, venados, flores y árboles. Cada puntada es un trazo que se enlaza con la cultura y el dialecto otomí, una conexión con el mundo natural y espiritual. Los diseños son una expresión del entorno, de los mitos y de las leyendas que han pasado de generación en generación.
El trabajo se realiza sobre manta con hilo de algodón de colores vivos, usando la técnica del "punto de pata de cabra". No hay un patrón predefinido, lo que hace que cada pieza sea única, un reflejo de la imaginación y la habilidad de la artesana que lo crea.
El bordado de Tenango es un símbolo de identidad y resistencia. A través de él, las mujeres otomíes no solo preservan sus tradiciones, sino que también generan una fuente de sustento económico. Su belleza y autenticidad han traspasado fronteras, y hoy es un arte reconocido a nivel mundial por su valor estético y su profundo significado cultural. Cada pieza es una obra de arte que lleva consigo el alma de un pueblo.
Domitsu: Die Otomí-Stickerei
(Juni, 2025)
Acryl auf Leinwand, 50 x 70 x 1,5 cm
Domitsu: Die Otomí-Stickerei, in der Gemeinde Tenango de Doria in Hidalgo als "Tenango" bekannt, ist weit mehr als nur eine handwerkliche Technik; sie ist eine Kunstform, die Geschichten über das Leben, die Natur und die Traditionen einer indigenen Gemeinschaft erzählt.
Diese Stickerei zeichnet sich durch ihre komplexen und farbenfrohen Designs aus, die oft die lokale Flora und Fauna darstellen: Vögel, Kaninchen, Hirsche, Blumen und Bäume. Jeder Stich ist eine Linie, die mit der Weltanschauung der Otomí verbunden ist, einer tiefen Verbindung zur natürlichen und spirituellen Welt. Die Designs sind ein Ausdruck der Umgebung, der Mythen und der Legenden, die von Generation zu Generation weitergegeben wurden.
Die Arbeit wird auf Baumwollstoff mit bunten Baumwollfäden ausgeführt, wobei die Technik des „Ziegenfuß Stichs" verwendet wird. Es gibt kein vordefiniertes Muster, was jedes Stück einzigartig macht, ein Spiegelbild der Vorstellungskraft und des Könnens der Kunsthandwerkerin, die es schafft.
Die Tenango-Stickerei ist ein Symbol für Identität und Widerstand. Durch sie bewahren die Otomí-Frauen nicht nur ihre Traditionen, sondern schaffen auch eine wirtschaftliche Lebensgrundlage. Ihre Schönheit und Authentizität haben die Grenzen überschritten, und heute ist sie eine weltweit anerkannte Kunstform für ihren ästhetischen Wert und ihre tiefe kulturelle Bedeutung. Jedes Stück ist ein Kunstwerk, das die Seele eines Volkes in sich trägt.
Papalotl: Mariposa monarca en Náhuatl
(Junio, 2025)
Lienzo con Acrílico, 70 x 50 x 1,5 cm
Es una de las criaturas más fascinantes del planeta y un símbolo de asombro y perseverancia en México. No es solo un insecto, sino una viajera incansable, cuyo viaje migratorio es uno de los fenómenos más impresionantes de la naturaleza. Náhuatl: dialecto considerado idioma cultural de la parte central de México.
El Viaje y su Significado: Cada otoño, millones de mariposas monarca emprenden una travesía épica de más de 4,000 kilómetros desde Canadá y Estados Unidos hacia los bosques de oyamel en el centro de México, específicamente en el Estado de México y Michoacán (centro de México). Este viaje no lo realiza una sola mariposa, sino varias generaciones, un relevo genético que las guía hacia un destino que nunca han visto.
Al llegar a México, las mariposas se congregan en los santuarios de oyamel, cubriendo los árboles con su vibrante color naranja. Estos bosques les ofrecen el refugio perfecto para hibernar, protegiéndose del frío del invierno. Su llegada es vista como un evento místico y sagrado, coincidiendo con la celebración del Día de Muertos. Para las comunidades locales, las mariposas monarca son las almas de los difuntos que regresan a visitar a sus seres queridos.
Símbolo Cultural y de Conservación: La mariposa monarca es un símbolo de fragilidad y a la vez de gran resiliencia. Su viaje anual es una hazaña de resistencia y belleza que ha capturado la imaginación de poetas, artistas y científicos. También ha puesto de manifiesto la importancia de la conservación, ya que la supervivencia de la especie depende de la protección de sus rutas migratorias y de los bosques en los que hibernan. México, a través de sus santuarios, se ha convertido en el guardián de este milagro natural.
Papalotl: Der Monarchfalter aus Nahuatl
(Juni, 2025)
Acryl auf Leinwand, 70 x 50 x 1,5 cm
Das ist eines der faszinierendsten Lebewesen des Planeten und ein Symbol für Staunen und Ausdauer in Mexiko. Er ist nicht nur ein Insekt, sondern ein unermüdlicher Reisender, dessen Wanderung eines der beeindruckendsten Naturphänomene ist. Nahuatl: Dialekt, der als Kultursprache Zentral Mexikos gilt.
Die Reise und ihre Bedeutung: Jeden Herbst begeben sich Millionen von Monarchfaltern auf eine epische Reise von über 4.000 Kilometern von Kanada und den Vereinigten Staaten zu den Oyamel-Tannenwäldern im Zentrum Mexikos, insbesondere in den Bundesstaaten México und Michoacán (Zentral Mexiko). Diese Reise wird nicht von einem einzigen Schmetterling, sondern von mehreren Generationen angetreten, einer genetischen Stafette, die sie zu einem Ziel führt, das sie nie zuvor gesehen haben.
Bei ihrer Ankunft in Mexiko versammeln sich die Schmetterlinge in den Oyamel-Schutzgebieten und bedecken die Bäume mit ihrer leuchtend orangefarbenen Farbe. Diese Wälder bieten ihnen den perfekten Schutz Ort zum Überwintern, geschützt vor der winterlichen Kälte. Ihre Ankunft wird als mystisches und heiliges Ereignis angesehen, das mit der Feier des "Día de Muertos" (Tag der Toten) zusammenfällt. Für die lokalen Gemeinschaften sind die Monarchfalter die Seelen der Verstorbenen, die zurückkehren, um ihre Lieben zu besuchen.
Kulturelles und Naturschutz-Symbol: Der Monarchfalter ist ein Symbol für Zerbrechlichkeit und zugleich große Widerstandsfähigkeit. Seine jährliche Reise ist eine Heldentat der Ausdauer und Schönheit, die die Vorstellungskraft von Dichtern, Künstlern und Wissenschaftlern beflügelt hat. Sie hat auch die Bedeutung des Naturschutzes hervorgehoben, da das Überleben der Art von Schutz ihrer Wanderrouten und der Wälder, in denen sie überwintern, abhängt. Mexiko ist durch seine Schutzgebiete zum Hüter dieses Naturwunders geworden.
Híkuli, Cactus desértico en Rarámuri o Tarahumara
(Junio, 2025)
Lienzo con Acrílico, 70 x 50 x 1,5 cm
El cactus es mucho más que una planta; es un emblema viviente de la identidad del norte de México. Sus formas espinosas y su resistencia extrema al clima árido lo convierten en el símbolo perfecto de la fortaleza, la perseverancia y la vida que florece donde parece imposible. En el paisaje desértico, el cactus no solo sobrevive, prospera!
La relación entre el cactus y el norte de México es milenaria. Ha sido una fuente de alimento, agua, medicina y material de construcción para las comunidades indígenas. En particular, la cultura de los rarámuris, un pueblo originario de la Sierra Tarahumara en Chihuahua, México que tiene una conexión especial con los cactus. En el idioma rarámuri es Híkuli que significa "los de los pies ligeros". El cactus es una pieza central en su ecosistema, proporcionando lo necesario para la vida en un entorno desafiante, reflejando así la resiliencia de la cultura rarámuri.
Híkuli, Wüstenkaktus in der Rarámuri -Tarahumara Sprache
(Juni, 2025)
Acryl auf Leinwand, 70 x 50 x 1,5 cm
Der Kaktus ist weit mehr als eine Pflanze; er ist ein lebendiges Symbol der Identität Nordmexikos. Seine stacheligen Formen und seine extreme Widerstandsfähigkeit gegenüber dem trockenen Klima machen ihn zum perfekten Sinnbild für Stärke, Ausdauer und das Leben, das dort blüht, wo es unmöglich scheint. In der Wüstenlandschaft überlebt der Kaktus nicht nur, er gedeiht.
Die Beziehung zwischen dem Kaktus und Nordmexiko ist jahrtausendealt. Er war eine Quelle für Nahrung, Wasser, Medizin und Baumaterial für die indigenen Gemeinschaften. Insbesondere die Kultur der Rarámuri, eines indigenen Volkes aus der Sierra Tarahumara in Chihuahua, Mexiko, hat eine besondere Verbindung zu Kakteen. In der Rarámuri-Sprache heißt es Híkuli, was "die mit den leichten Füßen" bedeutet. Der Kaktus ist ein zentraler Bestandteil ihres Ökosystems und bietet das Nötigste zum Leben in einer anspruchsvollen Umgebung, was die Widerstandsfähigkeit der Rarámuri-Kultur widerspiegelt.
Alebrije: Áxólótl en Náhuatl
(Junio, 2025)
Lienzo con Acrílico, 40 x 30 x 1,5 cm
El ajolote es un anfibio fascinante que no solo es un ícono de México, sino también una criatura legendaria. Su nombre, que proviene del náhuatl "āxōlōtl", significa "monstruo de agua" o "perro de agua".
En la mitología azteca, el ajolote está estrechamente relacionado con el dios Xólotl, hermano gemelo de Quetzalcóatl, dios del relámpago, del fuego y de la deformidad y era un guía para las almas en el inframundo. Según la leyenda, Xólotl se negaba a ser sacrificado para que el Quinto Sol (el sol actual) se moviera. Para evitar su destino, se transformó varias veces. Su última transformación fue en un ajolote, sumergiéndose en el agua para esconderse de los dioses, lo que lo convirtió en un símbolo de la vida y el renacimiento.
El ajolote es un "milagro de la biología". Es una de las pocas criaturas que puede regenerar casi cualquier parte de su cuerpo: extremidades, órganos vitales e incluso partes de su cerebro y médula espinal. Esta habilidad, conocida como neotenia, le permite permanecer en su estado larval durante toda su vida, conservando sus branquias externas y una apariencia "juvenil".
El ajolote es un símbolo de fragilidad y resiliencia. Se encuentra en peligro crítico de extinción y su hábitat natural, los lagos de Xochimilco en la Ciudad de México, se ha reducido drásticamente. Su conservación es crucial no solo para la biodiversidad, sino también para mantener viva una pieza fundamental de la historia y el misticismo mexicano.
En esta obra el ajolote está pintado como un alebrije. Los alebrijes son una artesanía mexicana relativamente moderna creada en 1936 por el mexicano Pedro Linares López quien era artesano de la Ciudad de México y que mediante un sueño febril vió diferentes criaturas fantásticas con partes de diferentes animales y que con el tiempo se convirtieron en una expresión de la imaginación popular por sus colores y sus formas. Son generalmente figuras hechas de cartón o papel maché y se caracterizan por sus colores vibrantes y patrones con simbolismo mítico pintados a mano.
Alebrije: Áxólótl in Náhuatl
(Juni, 2025)
Acryl auf Leinwand, 40 x 30 x 1,5 cm
Der Axolotl ist ein faszinierendes Amphibium, das nicht nur eine mexikanische Ikone, sondern auch ein legendäres Wesen ist. Sein Name stammt aus dem Nahuatl "āxōlōtl" und bedeutet „Wassermonster“ oder „Wasserhund“.
In der aztekischen Mythologie ist der Axolotl eng mit dem Gott Xólotl verbunden, dem Zwillingsbruder von Quetzalcóatl. Xólotl war der Gott des Blitzes, des Feuers und der Missbildung, und er war ein Führer für die Seelen in der Unterwelt. Der Legende nach weigerte sich Xólotl, geopfert zu werden, damit die Fünfte Sonne (die heutige Sonne) sich bewegen konnte. Um seinem Schicksal zu entgehen, verwandelte er sich mehrmals. Seine letzte Verwandlung war in einen Axolotl, der ins Wasser flüchtete, um sich vor den Göttern zu verstecken. Dies machte ihn zu einem Symbol des Lebens und der Wiedergeburt.
Der Axolotl ist ein „biologisches Wunder“. Er ist eines der wenigen Lebewesen, das fast jeden Teil seines Körpers regenerieren kann: Gliedmaßen, lebenswichtige Organe und sogar Teile seines Gehirns und Rückenmarks. Diese Fähigkeit, bekannt als Neotenie, ermöglicht es ihm, sein ganzes Leben lang im Larvenstadium zu bleiben, wobei er seine äußeren Kiemen und sein „jugendliches“ Aussehen beibehält.
Der Axolotl ist ein Symbol für Zerbrechlichkeit und Widerstandsfähigkeit. Er ist vom Aussterben bedroht, und sein natürlicher Lebensraum, die Seen von Xochimilco in Mexiko-Stadt, ist drastisch geschrumpft. Sein Schutz ist nicht nur für die Biodiversität entscheidend, sondern auch, um ein grundlegendes Stück der mexikanischen Geschichte und Mystik am Leben zu erhalten.
In diesem Werk ist der Axolotl als Alebrije bemalt. Alebrijes sind ein relativ junges mexikanisches Kunsthandwerk, das 1936 von dem mexikanischen Kunsthandwerker Pedro Linares López aus Mexiko-Stadt geschaffen wurde. In einem Fiebertraum sah er verschiedene fantastische Kreaturen mit Körperteilen verschiedener Tiere. Mit der Zeit wurden diese Figuren aufgrund ihrer leuchtenden Farben und Formen zu einem Ausdruck der Volksfantasie. Sie bestehen in der Regel aus Pappe oder Pappmaché und zeichnen sich durch ihre lebendigen Farben und handgemalten Muster mit mystischer Symbolik aus.
Azulejos de Talavera Poblana
(Julio, 2025)
Lienzo con Acrílico, 40 x 40 x 1,5 cm
La Talavera Poblana es una cerámica o tipo de loza de barro cocido que se recubre con un esmalte metálico opaco y vidriado, lo que le da su acabado brillante.
Reconocida como una de las artesanías más distinguidas y representativas de México. Se produce principalmente en la ciudad de Puebla y Tlaxcala. Su producción está estrictamente regulada para asegurar la calidad y el respeto de las técnicas tradicionales. Los talleres que la producen deben cumplir con un proceso artesanal riguroso. La elaboración es 100% artesanal, utilizando barros específicos de la región. El proceso incluye dos horneadas y el uso de cinco colores principales: azul, amarillo, negro, verde y naranja. El azul cobalto es el más emblemático y se reservaba para las piezas de mayor calidad. Algunos de sus diseños vienen de Talavera la Reina en España fusionados con modelos chinos e italianos en México.
Es un ícono de la identidad de Puebla. Se utiliza en vajillas, objetos decorativos y, de manera muy notoria, en la arquitectura, adornando las fachadas de iglesias, conventos y casas antiguas de la ciudad, como se puede ver en la famosa Casa de los Azulejos en la Ciudad de México.
Kacheln aus Talavera Poblana
(Juli, 2025)
Acryl auf Leinwand, 40 x 40 x 1,5 cm
Die Talavera Poblana ist eine Keramikart oder eine Art glasierte Steingut Ware aus gebranntem Ton, die mit einer undurchsichtigen und glänzenden Metall Glasur überzogen wird, was ihr das typische glänzende Finish verleiht.
Sie gilt als eines der herausragendsten und repräsentativsten Kunsthandwerke Mexikos und wird hauptsächlich in den Städten Puebla und Tlaxcala hergestellt. Ihre Produktion ist streng geregelt, um die Qualität und die Einhaltung traditioneller Techniken zu gewährleisten. Die Werkstätten, die sie herstellen, müssen einen strengen, handwerklichen Prozess befolgen. Die Herstellung erfolgt zu 100 % in Handarbeit, wobei spezifische Töne aus der Region verwendet werden. Der Prozess umfasst zwei Brennvorgänge und die Verwendung von fünf Hauptfarben: Blau, Gelb, Schwarz, Grün und Orange. Kobaltblau ist die markanteste Farbe und ist den hochwertigsten Stücken vorbehalten. Einige ihrer Designs stammen aus Talavera de la Reina in Spanien und wurden in Mexiko mit chinesischen und italienischen Mustern verschmolzen.
Sie ist ein Symbol der Identität Pueblas. Sie wird für Geschirr, Dekorationsgegenstände und, sehr auffällig, in der Architektur verwendet, wo sie die Fassaden von Kirchen, Klöstern und alten Häusern in der Stadt schmückt, wie zum Beispiel am berühmten Haus der Kacheln (Casa de los Azulejos) in Mexiko-Stadt zu sehen ist.
Cartas de Lotería Mexicana
Lienzo con Acrílico, 40 x 40 x 1,5 cm
Trompo de Lotería (13) Balero de Lotería (14)
(Julio, 2025) (Julio, 2025)
Yoyo de Lotería (15) Matraca de Lotería (16)
(Agosto, 2025) (Agosto, 2025)
La Lotería Mexicana no es solo un juego de azar, sino un viaje a través de la cultura y la historia de México. A diferencia de otros juegos de lotería, este no se basa en números, sino en una baraja de 54 cartas con imágenes vibrantes que son símbolos de la identidad mexicana, cada una con un nombre y un significado arraigado en la vida cotidiana de México, convirtiéndose en un elemento esencial de las ferias, fiestas familiares y reuniones comunitarias. Jugar a la lotería es una actividad que fomenta la convivencia familiar y social. Las partidas son ruidosas, llenas de risas y de la emoción de completar la tabla al gritar "¡Lotería!". Es una tradición que se hereda de generación en generación, un ritual que mantiene vivos el folklor, el lenguaje y las tradiciones mexicanas. En resumen, la lotería es un espejo de México, un juego que celebra su cultura, su humor y su identidad en cada una de sus cartas.
Hoy tenemos los ejemplos de 4 juguetes típicos y que son nombrados dentro de la Lotería Mexicana: el Trompo, el Balero, el Yoyo y la Matraca. Ellos son muy comunes entre los productos que ofrecen los comerciantes vendedores como artesanías también.
Karten der mexikanischen Lotterie
Acryl auf Leinwand, 40 x 40 x 1,5 cm
Der Kreisel (13) Der Balero (14)
(Juli, 2025) (Juli, 2025)
Das Jojo (15) Die Ratsche (16)
(August, 2025) (August, 2025)
Die mexikanische Lotterie ist nicht nur ein Glücksspiel, sondern eine Reise durch die Kultur und Geschichte Mexikos. Im Gegensatz zu anderen Lotteriespielen basiert dieses Spiel nicht auf Zahlen, sondern auf einem Deck von 54 Karten mit lebendigen Bildern, die Symbole der mexikanischen Identität sind. Jede Karte hat einen Namen und eine Bedeutung, die tief im mexikanischen Alltag verwurzelt sind. Dadurch ist sie zu einem wesentlichen Bestandteil von Jahrmärkten, Familienfeiern und Gemeinschaftstreffen geworden. Die Lotterie ist eine Aktivität, die das familiäre und soziale Miteinander fördert. Die Spiele sind laut, voller Lachen und der Aufregung, die eigene Tafel zu vervollständigen und dabei "¡Lotería!" zu rufen. Es ist eine Tradition, die von Generation zu Generation weitergegeben wird, ein Ritual, das die mexikanische Folklore, Sprache und Traditionen am Leben erhält. Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die Lotterie ein Spiegel Mexikos ist, ein Spiel, das seine Kultur, seinen Humor und seine Identität in jeder einzelnen seiner Karten feiert.
Heute haben wir Beispiele für vier typische Spielzeuge, die in der mexikanischen Lotterie genannt werden: der Kreisel (Trompo), der Balero, das Jojo (Yoyo) und die Ratsche (Matraca). Sie sind auch sehr beliebte Produkte, die von Händlern als Kunsthandwerk angeboten werden.
Lele Bebé, muñeca mexicana
(Octubre, 2025)
Lienzo con Acrílico, 70 x 50 x 1,5 cm
La muñeca Lele, cuyo nombre completo es "muñeca artesanal de Amealco", es mucho más que un simple juguete; es un ícono cultural y un símbolo de la identidad mexicana, originaria del estado de Querétaro.
Su nombre, Lele, proviene del otomí, una lengua indígena, y significa "bebé". La muñeca representa la herencia de las comunidades otomí y mazahua que la elaboran, y su vestimenta tradicional es una parte fundamental de su significado:
La muñeca Lele se ha convertido en un símbolo de la mujer indígena trabajadora, fuerte y perseverante, celebrando el legado y la labor de las artesanas que la crean.
En resumen, la muñeca Lele es una fusión de tradición, arte e historia, un pequeño embajador que lleva consigo la esencia de las culturas indígenas de México a todo el mundo.
Lele Baby, mexikanische Puppe
(Oktober, 2025)
Acryl auf Leinwand, 70 x 50 x 1,5 cm
Die Lele-Puppe, deren vollständiger Name "handgefertigte Puppe aus Amealco" lautet, ist weit mehr als nur ein Spielzeug. Sie ist eine kulturelle Ikone und ein Symbol der mexikanischen Identität, die ursprünglich aus dem Bundesstaat Querétaro stammt.
Ihr Name, Lele, kommt aus der indigenen Sprache Otomí und bedeutet "Baby". Die Puppe repräsentiert das Erbe der Otomí- und Mazahua-Gemeinschaften, die sie herstellen, und ihre traditionelle Kleidung ist ein grundlegender Teil ihrer Bedeutung:
Die Lele-Puppe ist zu einem Symbol der fleißigen, starken und beharrlichen indigenen Frau geworden und feiert das Erbe und die Arbeit der Kunsthandwerkerinnen, die sie erschaffen.
Zusammenfassend ist die Lele-Puppe eine Verschmelzung von Tradition, Kunst und Geschichte, eine kleine Botschafterin, die die Essenz der indigenen Kulturen Mexikos in die ganze Welt trägt.